S’engager dans quelque chose de plus grand
Le premier jour… se sentir petit.
Je viens de terminer ma résidence avec Yellow Chair Salon à Art Cake à Brooklyn, et franchement ? Je suis encore en train d’assimiler tout cela. Il y a tellement à retenir de cette expérience – elle a vraiment transformé ma vision de mon travail et de ce qui est possible en tant qu’artiste.
Le premier jour où je suis entrée dans l’espace d’exposition/atelier de la Galerie B, j’ai été frappée par l’échelle de la pièce. Le plan montrait une longue galerie étroite de 5,5 m x 10 m, mais il ne pouvait pas communiquer l’effet des plafonds de 5,5 m. Je n’ai saisi l’échelle qu’en la découvrant en personne.
Pour la première fois, j’ai vu tant de mes œuvres réunies dans un environnement ouvert et expansif. Présenter les œuvres dans différentes dispositions permettait aux pièces de dialoguer entre elles. J’ai réalisé à quel point je m’étais limitée dans mon travail, non seulement en taille mais aussi en concept – il y avait tellement plus de possibilités que je ne l’avais imaginé.
La percée avec le tissu
L’une de mes intentions en commençant la résidence était d’introduire de la couleur et différents types de tissus dans le travail que je faisais déjà avec la toile de jute.
Je n’étais pas sûre de la façon dont j’allais y parvenir, mais j’ai apporté de nouveaux matériaux pour expérimenter. À un moment donné, alors que je luttais pour créer des œuvres assez grandes pour la pièce, j’ai saisi quelques panneaux du nouveau tissu. J’ai commencé à jouer avec – vraiment par tâtonnements – et j’ai finalement réussi à l’incorporer dans l’œuvre.
Cela m’a menée vers une toute nouvelle approche : utiliser la couleur et d’autres tissus comme toiles de fond que je pouvais superposer. J’ai découvert un nouveau processus de construction et trouvé un moyen d’ajouter de la couleur tout en travaillant à plus grande échelle. C’était comme peindre avec du tissu, aborder le travail de manière plus abstraite et laisser les caractéristiques naturelles du matériau – le drapé, la texture – s’exprimer d’elles-mêmes plutôt que d’essayer de tout contrôler.
Penser comme un chef d’orchestre
Ce changement m’a fait voir mon rôle différemment. Je pourrais peut-être être plus comme un chef d’orchestre – guidant les matériaux individuels pour former un ensemble équilibré et unifié sans avoir à contrôler ou « jouer » chaque élément moi-même. Chaque matériau pourrait avoir sa propre voix tout en contribuant à quelque chose de plus grand.
J’ai aussi commencé à combiner ce que je pensais être des œuvres déjà terminées, superposant des pièces achevées les unes sur les autres. Cette approche modulaire a donné plus d’ampleur et de profondeur au travail, et m’a fait réfléchir au-delà des méthodes de présentation traditionnelles.
Au-delà des murs
Quelque chose d’autre m’est apparu clairement pendant la résidence – je n’avais pas pensé aux espaces de galerie dans leur totalité. J’étais tellement concentrée sur les murs comme support par défaut que j’avais manqué toutes ces autres possibilités. Pourquoi ne pas incorporer les sols, le plafond, les coins ? Et si le mur sur lequel repose une œuvre d’art devenait partie intégrante de l’œuvre elle-même ? Je pourrais peut-être présenter des œuvres en morceaux, ajouter des dessins ou des peintures directement sur le mur, incorporer des objets tridimensionnels aux côtés des tissus suspendus.
Cela me semblait vraiment radical.
La question de la confiance
Mais probablement le plus grand enseignement – et le plus important – a été la confiance que j’ai acquise. Quand je me suis engagée dans cette résidence, je me souviens avoir été nerveuse. C’était personnellement difficile de m’exposer ainsi, de travailler dans un espace inconnu avec de nouvelles pressions, personnes et possibilités.
En me présentant chaque jour, en travaillant dur et en surmontant l’inconfort de l’inconnu, j’ai vraiment changé ma vision de ce qui est possible pour moi en tant qu’artiste. Ce changement de confiance ? C’est peut-être la chose la plus précieuse que je retire de toute cette expérience. J’ai eu l’immense chance d’avoir les conseils de Michael David et du Yellow Chair Salon tout au long de ce processus.
Le talent de Michael David est bien connu, et ses contributions ont été déterminantes pour me pousser à penser dans des directions complètement nouvelles. Sa confiance en moi est devenue un fondement pour construire ma propre confiance – parfois c’est exactement ce dont vous avez besoin en tant qu’artiste, quelqu’un qui voit des possibilités dans votre travail que vous n’avez pas encore reconnues.
Je suis encore en train d’assimiler tout ce qui s’est passé pendant ces semaines à Art Cake, mais je sais que quelque chose de fondamental a changé dans ma pratique. Parfois, vous avez besoin de ce grand espace – littéral et métaphorique – pour voir ce qui est vraiment possible.
